2008年は日本とオランダの外交関係樹立150周年にあたり、そして来年は二国間の通商関係が400周年となる記念すべき年を迎えている。 18世紀末から続いたナポレオン戦争の時代に、世界で唯一オランダの国旗が翻っていた場所は日本の出島であったこと。それは「西洋への窓」を象徴することとして、以来、両国は築かれた関係にたえず手を加えながら新しい友好関係を育てて来た。

今年から来年にかけて開催される「日本オランダ年」。両国が築いて来た伝統を未来につなげて行こうとする意識が高まる中、エモン・フォトギャラリーでは、 写真芸術を通して新しい時代に生まれて来る芸術と文化について、互いの理解を深める機会となる事を願いオランダと日本のアーティストのコラボレーションを実現する運びとなった。

マガリート・スミュルダス氏は、1955年オランダ・ビュスムに生まれ、幼少の頃から花には特別な興味を持っていたという。 芸術大学を卒業した後、80年頃には花を背景にアレンジしたポートレート作品を作り、90年以降、花をモチーフに実験的な作品を作り出して来ている。近年の作品は、花、とりわけチューリップを多く登場させ、鏡、水、剪定した花を使って作品を制作している。 昨年発表した「GET DRANK」は正にタイトルそのもので、色彩の洪水が押し寄せて飲み込まれるような迫力をもったシリーズ作品を完成させた。

水に漂う摘み取られた花々。朽ちていく寸前に放つ花の強烈な光彩。フレームという舞台の中で役柄を得た花々は官能的な演技を見事に演じきっている。 女流であるがゆえ表現できるメッセージが作品の中から強烈な個性となって立ち上がらせた作品である。今回は「GET DRANK」のシリーズから２メートルを超える作品２点を含む８点の作品が、日本で初めて登場する事になる。

一方、自然の中に入り込んであるがままを撮る写真家・海沼武史氏。1962年東京に生まれた海沼は、96年に渡米し、帰国までの9年間に自然を題材にしたシリーズ作品を残して来ている。モノクローム作品を極めた「BUSH」を節目にカラー作品に移行して制作されたシリーズ作品「小仏川」と、「ファミリーグランド」から選りすぐった作品８点を出展。

「小仏川」は、色が幾重にも折り重なる三次元的色彩の世界を追求し、「ファミリーグラウンド」は氷の中に閉じこめられて静かに眠るさまざまな有機体にに眼差しは向いている。 足元に拡がる自然の豊かさを次々と見つけ出し、秩序と調和を満たすコスモスにも似た世界を描いて見せている。

この植物と水をモチーフにしていることが両者の共通する事のひとつではあるが、スタイルも意識も180度違うこの二人の作品をこの空間で紹介するキーワード、それは「色の奥深さに迫り、描くように撮った作品」という点にあるだろう。ゆらゆらと揺らぐ印象派絵画のように、そして描くように表現した二人の水と花。西洋と東洋の感性のコントラストをここ広尾でご覧いただきたい。

1955年オランダ・ビュスムに生まれる。1983年ネイメーヘン大学社会科を卒業の後、視覚芸術、ビジュアルアートを学ぶ。ヨーロッパを中心に意欲的に個展で作品を発表し、2006年作品集「GET DRUNK!」を発表。ヨーロッパではコレクションの人気も高い。
http://www.margrietsmulders.nl

小学生のころの私は、周囲に切れ目なく花輪が囲むように印刷されたノートを愛用していた。そして、母のガーデニングの本から何千本ものバラの写真を切り抜いた。芸術大学で、私は生命と花をキャンバスの上に描き続けた。いつも花がそばにあった。80年代には自画像に花を描き、90年代につくった壁紙の中で花はさらに大きくなった。
　
私の世界は花にあふれていることはおわかりいただけると思う。生い茂る奇妙にエロティックな絵は、人を別の次元にいざなう。巨大な鏡、手の込んだ硝子の花瓶、波打つようなドレープ、果物やカットされた花々がこうした「絵」に描かれている。
　
ボードレールに「酔え。ワインに、詩に、そして、美徳に」という言葉がある。この新鮮で、みだらでありながら透明な世界は日々衰え移ろっていることを思い起こしてほしい。私はこの世界が官能を見せるときが好きだ。自我を失い、情事に身を任せるとき。現実はもはやどうでもよくなってしまうのだ。写真を制作しているとき、私はまるで花々が私を入り江でなでてくれているかのように、対象である情景に我を失っている。
　
私が若い女性と母親のシリーズを制作していたとき、キーンホルツ、シャーマン、17世紀の巨匠たちが私のお手本だった。この一連のポートレート作品は、私の家族の生活を、完璧なパラダイスとしてではなく、恥ずかしくなるような、不平に満ちたパラダイスとして描いている。演劇的なセットのなかで、私は花々を
背景として使用した。ポートレートの依頼を受けるうちに、私は次第に、人々を花のように眺めるようになっていた。
　
17世紀の花の絵画につづき、ポロックやキーファー、ピピロッティ・リストの力強い作品やベッティナ・ランスの誘惑するかのような作品にインスピレーションを受けるようになった。1999年、オランダの黄金時代の官能的な静物画の展覧会が、アムステルダ
ムのRijksmuseumで開かれた。当時私は、鏡の力をかりて花の静物画を制作しはじめていたころだった。鏡を使用したのは、紫色のあやめやむらのあるオレンジ色のチューリップや、散ったあと波紋の上を流れゆくかのようにみえるもみくちゃの花びらを使って、全体をより豊かに、溢れるように、さらに香りたつよう
に「描いた」。
　
しかし、花々のすべてが無垢で生まれたての状態にあるわけではない。花は、いずれ何か汚らしいものを生み出す可能性をもっている。ギリシャ神話にあるように、花は兄弟殺しや復習の道具になることがある。昆虫、蛙、血の一滴、青白い花の上の赤い果汁の一滴が、写真をかすかに邪悪なものにする。暗闇が、底知れない神秘的な深みを与える。こうした花のあり方は、花という役者が演じてきた演劇なのであり、一国の文化に限らず、世界中に共通している。

Text by Margriet Smulders

curled around the borders of my note pads when I was a school girl. And thousands of roses were cut out from my mother’s gardening books. At the Academy of Arts, flowers as large as life were painted on my canvasses. There were always flowers. They flourished in the self-portraits of the eighties and grew bigger in the flower wallpapers made in the nineties.

You can see a whole world in my flowers. Lush and strangely erotic tableaux entice you into another dimension. Huge mirrors, elaborate glass vases, rich draperies, fruit and cut blooms are used to make these 'paintings'.

As Baudelaire says “Get drunk: on wine, poetry or virtue”. Imagine lingering and languishing in these fresh, sultry and lucid landscapes. I love this sensual state. To lose myself, to deliver myself as in a love affair. Reality doesn't matter. When making photos I get lost in the scenes as if the flowers were caressing me in the gulfs of the sea.

Kienholz, Sherman and the Dutch painters of the seventeenth century were my masters when making a series of my life as a young woman and mother. These self portraits showed my family life as an embarrassed, querulous paradise: less than perfect. In these theatrical scenes flowers were used as a backdrop. Gradually when making commissioned portraits I began to see people as flowers.

Later the floral paintings of the 17th century, the works of Pollock and Kiefer, the strong scenes of Pipilotti Rist and the seductive work of Bettina Rheims would inspire me. In 1999 an exhibition on voluptuous Dutch floral still-lives of our Golden Age was in the Rijksmuseum, Amsterdam. At that time I began to 'paint' floral still-life compositions with the help of a mirror, so that the total looked richer, more generous and more highly scented, with purple irises, ragged orange tulips and crumpled lips of full-blown petals that appear to be moving in the rippled waters. The effect is like looking into a clear pond, where rivulets of pure water descend from glacial protrusions.

But not all of the flowers are immaculate or in pristine condition, suggesting that something potentially nasty could take place, as in Greek mythology, which is replete with instances of fratricide and revenge. Insects, frogs, drops of blood and red juice on pallid blooms make the photographs slightly sinister. Darkness gives them an unknown and mysterious depth. In these theatres not only domestic scenes but the whole world with its relationships and dramas is played out by flowers as actors.

1962年東京れ。1986年、写真家・中本佳材氏に師事し1996年渡米。「アルファー＆オメガ」、「BUSH」などの傑作を生む。コレクション　パリ国立図書館
http://takeshikainuma.com/

詩人アルチュール・ランボーの手紙に、「千里眼にならなければならない」という言葉を見つけたときから、私の写真は、このアイデアに少なからず影響を受けて来たかもしれません。

カメラという道具は、筆や彫刻刀のように無の地平にイメージを表すことは難しく、絵描きや版画家と違って、あくまでもこの世界に存在している物や事を写す行為でしょう。写真家は本来、主体的な創造行為とは無縁だと思うのです。
それでも写真は、より直接的に問題提示することができるために、生々しく、いきいきと伝えられる面白さが存在するところは写真表現ならではの魅力だと思うのです。
見るという行為。その視覚とはそもそも何なのか？それは通常どのような状態にあって事物の本質と呼ばれているものを捉えようとしているのだろうか。見ることに制約もなく自由に見ていると確信していても、実際には観念的に解釈をしたり表層を見ているに過ぎず、「物を見させられている」状態にあるだけではないのか？そんな疑問を抱くことは少なくはありません。
もし、千里眼によってこの世界を一望すると、世界や物事はどう見えて来るものなのか？

私がカメラを持って何かに向かうとき、初めに目に飛び込んで来たもののその奥に、なにやら重要な事柄が見え隠れする瞬間があるように思えます。私にとってファインダーを覗くことは、その場所と自分との間に密度の濃い集約された時間が流れ、動いているもののすべてが一瞬止まるような、そんなまばゆい瞬間を捕らえることのように思います。

「知覚の扉が清められたなら、物事はありのままに、無限に見える」18世紀のイギリスの画家・詩人であるウイリアム・ブレイクの『天国と地獄の結婚』の一節にあるこの言葉。
視覚が本来もっているはずの無限性とは、物の表面をさまようだけの唯物論的な通常の視覚の崩壊を告げるものですが、そのドラマを、写真という媒体はもっとも真摯に提示できるのではないかと思います。

有限と深くかかわりながら遂には無限に達してしまうというパラドックスを生きる写真。
撮影という行為、そこに私は写真のこれからの未来を見ようとしています。

Text by Takeshi Kainuma

I once read the words, “you must be clairvoyant” in a letter by the poet Arthur Rimbaud, and I think that this idea may have had at least somewhat of an influence on my photographs.

The camera as a tool is different from the brush or chisel, and since it is difficult to depict images of what isn’t, unlike a painter or sculptor, I show the things that actually exist in the world. �I think that it is impossible for photographers to achieve the subjective act of creation.

Even so, photographs are better able to take issues head-on, so I feel that the attraction of photographic expression is its realistic, lively interest.

The act of viewing. �So, what is vision? �Perhaps it is trying to capture what is thought of as the essence of things in the state they are in. �Even if you view things freely and without constraint, isn’t it that your objective interpretation sees no more than the superficial layer and you are really only seeing “things as they are being shown”? �This is not an uncommon doubt in my world.

If clairvoyance allows us to see a full view of the world, how would we start to see the world and the things in it?

When I take up my camera and point it at something, there is a moment when I can catch a glimpse of something important in the first thing that jumps into my field of vision and its immediate surroundings. �For me, looking though the viewfinder is like catching a dazzling moment when all movement and even the flow of time stops, creating a dense concentration of the place and myself.

“If the doors of perception were cleansed every thing would appear to man as it is: infinite” is a line from the 18th century British painter and poet, William Blake’s “The Marriage of Heaven and Hell”. The infiniteness that should be a characteristic of perception warns of the destruction of materialistic normal vision that only touches the surface, and I think it is the media of the photograph that presents that more directly than any other medium. By accomplishing while being tightly bound by limits, you can achieve the limitless―this is the paradox created by the photograph. �The act of photographing is how I try to view the future of photography.