EXHIBITION
2018
現代アート収集家・船山氏による写真コレクション展
Funayama Collection Photography
EMON Photo Gallery 2018.12.01sat → 12.15sat
レセプション 12.01sat 16:00〜18:00
エモン・フォトギャラリーでは現代美術コレクター船山雅史氏のコレクションから、写真作品を選りすぐり、展覧会を開催いたします。 船山氏は公認会計事務所を経営するかたわら、現在活躍中の国内外のアーティストの彫刻、絵画、写真の現代美術作品を収集。モノ派、アブストラクトに始まり、ストリートアートのグラフィティーまで、ジャンルを横断する豊かな視座で体系的なコレクションを築いています。 とりわけその収集熱は2011年の東日本大震災以降により高まったとの事でした。震災直後の世相の中で、エモン・フォトギャラリーでは、とりわけ作家Kiiroの生命の力強さを捉えた夕映えのコスモスの作品が氏の目に留まりました。 本展覧会では国外の作家では、南アフリカを拠点とするピエター・ヒューゴやドイツのリカルダ・ロッガン、米のライアン・マッキングレー、国内作家では山崎博、西野壮平、高谷史郎等、そして5thEMON AWARDでグランプリを受賞した山田弘幸の作品を展覧いたします。収集し、展覧する事によって浮び上ってくる、現代美術コレクターの一貫した視点とそれぞれの作品の結びつきを是非ご覧になって頂ければと思います。2018年最後の展覧会となります。どうぞご高覧ください。
出品作家 ピエーター・ヒューゴ、池田衆、kiiro、小林秀雄、桑島秀樹、ライアン・マッキングレー、Nerhol、西野壮平、オーギュスタン・レベテー、リカルダ・ロッガン、須崎祐次、高谷史郎、宇佐美雅浩、山田弘幸、山田純嗣、山田悠人、山崎博
船山雅史 船山公認会計士事務所 代表 公認会計士試験に合格し、監査法人に勤めた後、約20年に渡り、現シティバンク、現香港上海銀行等の外資系金融機関でプライベート・バンキング業務に従事。2006年船山公認会計士事務所を設立。富裕層の国内外での資産運用・税務相談に応じつつ、自らもコレクターとして、現代アート中心に作品を収集。一橋大学商学部卒業。
写真
Diorama Map Tokyo 2014 ©Sohei Nishino
光と鬼│横須賀功光 Noriaki Yokosuka Exhibition
EMON Photo Gallery 2018.09.27thu → 11.17sat
代官山フォト・フェア 2018.09.28 fri → 09.30sun
生涯をかけて心眼を冷徹に磨いた横須賀功光。
晩年、全てのネガに鋏を入れてこの世を去った
氏のオリジナルプリントを展覧致します。
Noriaki Yokosuka constantly pursued the new, sharpening his mind’s eye throughout life with a cool-headed precision.He cut up and destroyed all his negatives before he passed away.
Emon is proud to present his rare original/vintage prints.
9月27日より、写真家・横須賀功光の初期から晩年に至るオリジナル・プリントに中から、特にソラリゼーション作品を集めて展覧会を開催致します。横須賀功光 Noriaki Yokosuka (1937-2003) 横浜生まれ、日大芸術学部写真学卒。学生時代から資生堂の仕事を手掛けて頭角を現し、卒業後はフリーとなって活躍。資生堂のポスターは次々と反響を呼んで瞬く間に広告写真の金字塔を打ち立て、その後も飛ぶ鳥を落とす勢いでファッションフォト、シリアスフォトを先駆していきました。「俺がはじめて嫉妬した写真家だった」と当時電通にいた荒木経惟氏が言うように、誰も真似ができない写真を撮る早熟の天才だったのです。華々しい広告の世界で名声を上げ羨望されたのは、次元を超えて写真と向き合おうとする横須賀の執念に他なりません。特に、肉体について横須賀は魔術的と言えるほど関心があったことは、彼が残した数多くのプライベートワークで知ることができるのです。光の探求、肉体への執着、またソラリゼーションを駆使した技法など、その実験的な写真行為は広く公開されることなく、氏が世を去るまで続けられました。本展では、1964年から98年にかけて制作されたシリーズ作品の中から、初期のShafts『射』 、Optics『檻』、中期のA Case of Exposure『光銀事件』、また長らく発表の機会が無かった晩年の「マン・レイオマージュ」の貴重なオリジナルプリントをご紹介致します。生涯をかけて心眼を冷徹に磨き、常に新しい事に挑んだ横須賀功光。死を意識した晩年には全てのネガに鋏を入れ、数えるほど僅かなオリジナルプリントが残されました。本展はその貴重な作品から選りすぐり、未発表作品を交えて展覧致します。
Starting 27th September, entitled“The Photon and Ogre”, EMON Photo Gallery is proud to present the original/vintage prints of Noriaki Yokosuka, showcasing his earliest to his later works. Born in 1937 in Yokohama, Noriaki Yokosuka graduated from Nihon University, majoring in photography. He first started to make a name for himself during his days as a student working for Shiseido, and later through his activities as a freelancer. Yokosuka’s posters for Shiseido each gained great public response, going on to achieve landmark status and in turn propelling him to further heights as a pioneer of fashion and advertisement photography. His talent for taking photos that no one else could is well-illustrated in a comment by photographer Nobuyoshi Araki, working for Dentsu Inc. at the time, who said “He’s the first photographer of whom I was jealous.” Yokosuka’s status as an object of envy in the glamorous world of advertising was undoubtedly a result of his deep commitment to pursuing work of superior quality, an obsession evident in the tenacity of his industry photography. Sorcery may not be too strong a term to describe his fascination with light and the human form in particular, something readily apparent in his remaining private works. His obsession with the flesh, his pursuit of light, creative modes that made free use of solarisation – the experimental genius of Yokosuka remains hidden even after his death, until now. This exhibition focuses on series’created between 1964 and 1998, including carefully selected original print pieces from his debut series “Shafts”, works from “Optics” and “A Case of Exposure” and exclusive works from his later career, the series“Homage to Man Ray”. We invite you to come and enjoy the works of a photographer Noriaki Yokosuka who constantly pursued the new, sharpening his mind’s eye throughout life with a cool-headed precision. Later in his career he focused on his upcoming death and cut up and destroyed all his negatives. The exhibit will include rare original/vintage prints that are left for us and the future.
横須賀功光
1937年 11月26日、神奈川県横浜市に生まれる。
1956年 日本大学芸術学部写真科入学。
1960年 日本大学卒業と同時に、フリーのカメラマンとして資生堂宣伝部の一員として活躍をはじめる。このころからファッション写真を手がけ、服飾デザイナー三宅一生氏に会う。
1982年 日本人初のイタリアンヴォーグ、ドイツヴォーグ、フレンチヴォーグのフリーランススタッフカメラマンとなる。
2003年 1月14日死去
Noriaki Yokosuka
1937 Borin in November 26 in Yokohama, Kanagawa Prefecture, Japan.
1956 Starts his syudy at Nihon University Collage of Art, Department of Photography
1960 After graduating from Nihon University Collage, Yokosuka starts workingat Shiseido’s Advertisinhg department as a freelance photographer and becomes involved in advertizing campains. Concentrates on fashion photography from this time, and meets stylist Issey Miyake.
1982 Becomes the first Japanese freelance staff photographer working for Vogue magazine in its Italian, Franch and German editions,
2003 Dies January 14th.
代官山フォトフェア2018のお知らせ
会期 2018年9月28日（金）ー 9月30日（日）
会場 代官山ヒルサイドフォーラム、ヒルサイドプラザ
主催 一般社団法人日本芸術写真協会（FAPA）
EMON Photo Gallery ブースG1
Shafts 射 1964
自ら作った金属をモチーフに空想空間を作り上げ、そこに光と影を操って闇から浮かび上がる硬質な光を捉えた横須賀のプライベートワークの中で最も初期にあたる作品である。この奇妙な異次元空間は、氏の作品の中でも最も抽象的で謎めいた作品とされている。オブジェが作り出す偶然性、光と影、そしてさらに無駄をそぎ落とそうとするストイックな感覚が際立った作品『斜』は、まさに氏の原点となっている。
This series comprises the earliest of Yokosuka’s private works. Metallic objects he himself created feature in this construction of space in which glints and beams, cold and hard, float out of the darkness via a deft manipulation of light and shadow. Yokosuka’s expression of this strange, otherworldly space represents his most cryptic and abstract body of work. Withthe coincidental phenomena the objects put forth, the light and shadow, and the stoic cutting away of anything superfluous, Shafts is an unmistakable introduction to the starting point of Yokosuka’s unique genius.
Optics 檻 1969
1965年にニューヨーク近代美術館に於いて「感応する眼(The Responsive Eye)」という展覧会が開催された。これがオプティカル・アートの最初のデモンストレーションであるといわれている。それらの要素を氏は巧みに取り入れ、肉体と幾何学パターンを写真で表現したオプティカル・イリュージョン（錯視）を呼び起こす作品を作り上げた。｢裸体そのものから宇宙空間を持ったエロスそのものが感じられる。｣と氏が語るように、感情を排除して無機質に追い込んだ作品群である。
In 1965, an exhibition entitled The Responsive Eye was held at the Museum of Modern Art in New York, touted as the first demonstration of optical art. A dexterous rendering of the elements of this exhibition can be found in Optics, a photographic expression of geometry and the body that evokes optical illusion. The Optics body of work, rejecting sentiment and emotion in favor of the inorganic, conveys to us in photo form Yokosuka’s declaration that “The universe of Eros is evoked, in it’s purest form, by the naked body in its most elementary state.”
A Case of Exposure 光銀事件 1989
光と肉体について、横須賀は魔術的と言えるほど関心があったことは、彼が残した数多くのプライベートワークで知ることができる。中でもソラリゼーション技法を用いた1982年作品『光銀事件』はその象徴的な作品である。画家が絵筆を使って試行錯誤を繰り返すように、横須賀は光と銀の印画紙が起こす化学反応の面白さに没頭していくのである。撮影時の光。引伸機の光。そうしたいくつもの光と戯れながら銀の科学と遊ぶ横須賀にとって、これら偶然性が介在する一連の創作プロセスを「目に見えない事件」と名付けている。特筆すべきは、たった1つのオリジナルプリントが存在するということである。
Upon examination of his private works we see that Yokosuka was enchanted by light and the body, two elements symbolized in his 1989 work with solarization titled A Case of Exposure. Much like the trial and error of an artist sketching ideas with his pencil, Yokosuka immerses himself in the excitement of chemical reactions caused via interplay between light and silver photographic paper. The science of silver is mated with light in its various instances–the light while shooting, the light during exposure, the light during observation. Yokosuka came to call the resulting coincidental phenomena “invisible incidents of elementary particles”. Such incidents are captured in the prints of this series, each a one-and-only original print of unmatched caliber.
Homage to Man Ray マン・レイオマージュ 1998
ダダイストとして多数のオブジェを制作したことでも知られるMan Rayを、唯一写真表現者として横須賀は敬愛した。Man Rayの様々な実験的表現、商業写真の考え方は、横須賀にとって生涯に渡って可能性を追い続けた一人の写真表現者として、唯一無二の存在であった。横須賀の最晩年のこの作品は、自らオブジェを作り、着色し、彫刻を作り上げて写真に記録し、これまでに数多く制作してきたソラリゼーションを用いて、ただ一つの写真作品を残している。
Man Ray has been noted for his numerous Dadaist and surrealist-inspired works, and is the only photographer for whom Yokosuka felt respect and affection. Yokosuka, he himself having dedicated an entire life to exploring the possibilities of photo, believed that Man Ray’s experimental approach to advertisement photography was one of a kind. Created in Yokosuka’s final years, Man Ray Homage is a series of original single prints depicting objects he made, colored, sculpted, and recorded in photograph via his oft-used solarization technique.
jin-zo | 人像展Ⅱ
Period：2018/08/24 fri - 09/22 sat
A group exhibition of five photographers focusing on the primal human form.
Tomohide Ikeya, Naoyuki Ogino, Yuji Susaki, Yoko Mazuki, Hiroyuki Yamada
EMON Photo Gallery is proud to present our second group exhibition, “JinzoⅡ” showcasing middle-aged photographers who have achieved unique ways of expression in their career. In this exhibition, each of their representative works are presented, focusing on the primal aspect of the human form.
Whether male or female, young or old, there are moments when we realize the beauty of the human figure in the midst of lively activity, and also when motionless. A beauty in which senses of mystical wonder and fearful awe combine, the boundaries between each undiscernible. A mysterious energy emanates from the vehicle for life itself that we call the human body—a vital force extant beyond our daily means of recognition.
For this exhibition, the main theme is the human figure captured in photo. These unique artists aim to break out of their shells with works that surpass conventional notions of photography. We invite one and all to come and experience the flag-bearing photographers of the next generation present their unique versions of ‘now’.
Tomohide Ikeya from "BREATH"
Tomohide Ikeya 1973, born in Kanagawa prefecture
Photographer Ikeya dives into the water alongside his subjects and photographs them. The motifs are male and female people of all generations bearing various facial expressions from tranquility to pain. The series “BREATH” revisits the most basic gestures and evidence of life—to breath—and this body of work is a consideration of life itself.
Naoyuki Ogino, born in Tokyo
Brought up in Mexico, and more recently based in Kyoto prefecture, photographer Ogino focuses on the ‘skin’ that covers the human body.
Silver leaf is mounted behind the printed images and a unique technique of using salt during printing evokes a feeling that connects to the primal era of cave paintings. He defines the skin as a boundary that divides inside and outside. For the piece “Ringetsu”, he uses light and a collage technique to reveal ‘the space of the gods’ which exists between the boundaries of the natural and artificial worlds.
Naoyuki Ogino "Ringetsu"
Yuji Susaki 1963, born in Tokyo
A photographer known for his major work “COSPLAY made in Japan”, Susaki reduces the idea of the body to object and observer in order to express his unique eroticism. His philosophical ponderings concerning ‘holes’ in his latest work, present an affirmation of sex and the life of a human being.
Yuji Susaki "Hole of Human experiment"
Yoko Mazuki 1963, born in Aichi prefecture
Mazuki concentrates on listening to the language hidden within our body. As if to revive those words in her photographs printed in silver gelatin print, she places shadows of plants onto human skin and aims to express what is deeper within, something we are born with, something that doesn’t rely on our experiences. Her photos convey the moment and essence of the sensation of touch to the skin.
Yoko Mazuki from "a priori"
Hiroyuki Yamada "No title"
Hiroyuki Yamada 1975, born in Kagawa prefecture
Winner of the 5th EMON AWARD Grand prize, Hiroyuki Yamada taught himself photography and painting, eventually gaining recognition in the form of several awards and exhibitions.
For this series, he captures the prone body in a reclining chair. The camera lens exposes the ambivalence of death and life within the unaware and unconscious human body. A basic question, ‘what is life?’ is expressed with a unique printmaking technique.
jin-zo | 人像展Ⅱ
会期：2018/08/24 fri - 09/22 sat 08.24fri アーティストトーク18：00-レセプション19:00-
原初的な肉体、そのフォルムにフォーカスした 5人の写真家による合同展
池谷友秀 荻野NAO之 須崎祐次 真月洋子 山田弘幸
EMON Photo Galleryでは、独自の表現を確立する中堅の作家を招き、今回2回目となるグループ展『人像展Ⅱ』を開催致します。本展では、原初的な肉体、そのフォルムにフォーカスする5名の作家それぞれの代表作を紹介するものです。 人は老若男女を問わず、その躍動する姿に、また、ただそこに佇む様子を見る時々で、神秘とも畏怖の念とも見分けのつかない「美」を見る瞬間があります。ヒトという生命体には、普段私たちが認識する理論を越えた、人体そのもから発散される不思議なエネルギーが確かに存在するかもしれません。 本展では、人物写真を中心にその表現を確立しながらも殻を破り続け、写真の概念を越えた活動を行う個性派作家が集います。次世代を担う写真家たちのいまを、どうぞご高覧ください。
※08.24開催のアーティストトークは参加費無料ですが、お席のご用意は25席までとなります。
定員に達した場合、以降は立ち見でのご案内となります事を、ご了承下さい。
受付はemon_photogallery@emoninc.comまで。
池谷友秀 1973年神奈川県生まれ
被写体はもちろん、池谷自身も水中に潜って作品撮りを行います。対象は老若男女と幅広く、穏やかな表情、苦悶の表情と様々。作品『BREATH』は生の術であり証である「呼吸する」という行為の再認識と人間の「生きる」ことへの考察です。画手法で投げかけています。
池谷友秀『BREATH』より
荻野NAO之 東京生まれ
メキシコで育ち、京都を拠点に活動する荻野は、身体を覆う「皮膚」に焦点を当てています。裏箔や塩を利用した独自のプリント作品は太古の洞窟壁画に通ずる感覚、皮膚が隔てる、「内」「外」の境界の表現。また作品『臨月』では、自然界でも人間界でもない境界に宿る、「神々の閒」を、光とコラージュ技法を用いて表しています。
荻野NAO之『臨月』
須崎祐次 1963年東京生まれ
『COSPLAY made in Japan』の作家として知られる須崎は身体を「見る」と「見られる」行為に還元し、独自のエロティシズムを表現しています。「穴」を巡る哲学的な思考、生と性の肯定を見いだそうとする須崎の最新作をご紹介します。
須崎祐次
『Hole of Human experiment』より
真月洋子 1963年愛知県生まれ
私達の身体が潜在的に持っている豊かな「言葉」に真月は耳をすまします。それらの言葉を蘇らせるように、銀塩プリントによって制作された本作は、植物の陰影を身体に重ね、奥底に在る、経験にもとづかない生来持っているもの、皮膚の触覚が捉えている時間や気配、匂いを表現しています。
真月洋子 『a priori』より
山田弘幸 1975年香川県生まれ
5thEMON AWARDでグランプリを受賞した山田弘幸は、独学で写真と絵画を学び、数々の個展や賞で注目を集めました。 本作はリクライニングチェアーに横たわる人々を撮影。無防備な身体に潜在する、強烈な「死」と「生」の両義性をレンズを通して暴いた作品。「生きる」という根本的な問いを独自の版画手法で投げかけています。
山田弘幸 『No title』
第7回エモンアワード・グランプリ受賞作品展 | 内倉真一郎『十一月の星』
会期：2018/07/13 fri - 08/04 sat
オープニングレセプション 7.13 fri 6pm〜
EMONAWARDは、写真・映像の新たな支流を創りだそうとするアーティストにフォーカスする公募展。第7回の募集では個性的な作品が多数寄せられました。ファイナリスト7名による公開プレゼンテーションと審査の結果、第7回グランプリは新生児を被写体に命の逞しさを探求した内倉真一郎の作品が受賞。この展覧会に向けて撮り下ろした作品を交え、完成度を高めた力作が並びます。レイヤーを重ねる様に構成する展示も必見。どうぞご高覧ください。
公開審査・審査員
飯沢耕太郎（写真評論家）
河内タカ（便利堂 海外事業部ディレクター）
鈴木芳雄（編集者、美術ジャーナリスト）
トモ・コスガ (アート･プロデューサー/ 深瀬昌久アーカイブズ・ディレクター)
中西玲人（アートプロデューサー/echo visions代表）
山口裕美（アートプロデューサー）
小松整司（EMON・ディレクター）
アーティスト・ステートメント
息子がこの世に産まれてくれました。
生まれた直後、ある事に気がつきました。
目薬のようなものを一滴だけ目に注がれ、元気よく鳴いていましたが、
涙が出ていないのです。
また、新生児でまだ笑うはずのない息子は一瞬、
微笑むような表情を見せてくれました。
そうしたことにまだ医学的根拠はないそうです。
人間は産まれた瞬間から、絶対に避けられない死に向かっています。
でもそれは決して暗いことではありません。
教えてもいないのに乳を欲しがることも
体を動かす動作や、泣き声すらも
命のもっとも原始的な行為のように思います。
その生きようとする力強さ、神秘性を僕はうつくしいと感じて
作品にしようと思いました。
Star of November
My son was born into this world.
Straight after he was born, I noticed something.
A single drop of eyewash was dripped into his eye, at which he cried heartily,
yet he shed no tears.
And, although it is not supposed to be possible in a newborn,
for a fleeting second my son showed me something like a smile.
Apparently, there is still no known medical explanation for this.
From the moment of birth, humans head toward a certain death.
However, this is not something morbid.
That yearning for milk is not a thing taught.
The movement of the body, even the crying voice;
I think of as the most primitive fundaments of life.
I feel beauty in the strength and mysticism inherent in anything trying to live,
and try to capture it in my work.
第7回エモンアワード・グランプリ受賞者展によせて
内倉真一郎。1981年宮崎県延岡市の写真館を営む長男として生まれ、幼少時代から写真に囲まれて育つ。日本写真映像専門学校を経て独立し、実家の後継ぎとして活動拠点を宮崎に移し現在に至る。
写真を生業としながら内倉は、これまで培ってきた技術を武器にして数多くプライベートワークに取り組み、内外のコンテストで佳作・入賞を繰り返してきた。今回の受賞作品には、そうした積み重ねによる作品の強度もさることながら、その根底に作家の挑戦と覚悟の痕跡を見ることができる。作品タイトルはこの受賞を機に、11月に授かった命を星になぞらえて「十一月の星」と改められた。また展覧会開催までの5ヶ月の間にエキシビションプランは度々見直され、あらたに作品を撮り下ろすなどして、最終的にはレイヤーを重ねるような重層的空間づくりとなっていった。新生児とタンポポ、その直接的ではないむしろ遠い二つのイメージを織り交ぜ、ただ飾るだけのありふれた写真展にならないようにしたのは内倉のアイデアである。
出産にまつわる写真は決して珍しくはないが、その多くと内倉の写真を分け隔つのは「運命」に対する眼差しにある。撮る対象が血を分けた実子であろうと、その眼は鋭く「生」そのものに向けられている。作品の主題は、彼のステートメントにあるように『人は生まれた瞬間から死に向かっている』という現実を見据え、我が子への愛おしさ、その先にある生物すべてに共通するテーマを抱えている。それは、私たちが大人へと成長し、知恵を付けていくことによって失いがちなこと、その「ただ、生き抜く」という人が本来もっているサバイバル本能を呼び覚ますかのようである。さらけ出すことを躊躇わず、粘り強くチャンスを待った内倉は、ここに来てとうとう代表作と呼ぶに相応しい作品を生み落とすことが出来ただろう。この作品でただひとつ明白なのは、私たちに慎みの念を抱かせるほど紛れもない命がここに在るということ、そして命の営みは、この地球を覆っている矛盾だらけの厳しい自然の営みとなんら変わらない事にも気づかせる。それがこの作品「十一月の星」に注がれた、容赦なくもあたたかい内倉真一郎の眼差しなのである。
エモン・フォトギャラリー ディレクター小松整司
展覧会協力：株式会社カシマ
Interrupted Places / trace | Hideo Kobayashi Exhibition
Five years after his first Emon exhibition with Shield, we are delighted to present Hideo Kobayashi’s Interrupted Places (Chudan Sareta Basho) and trace, representing some of his earliest works in a career spanning twenty years. These works illustrate a creative style that centers on shooting locations that do not typically warrant attention, such as unremarkable downtown scenes or lonely forests, in which Kobayashi uses concrete walls or multiple exposures to craft surrealistic worlds. While retaining an element of documentary-style, Kobayashi states that these photos depict fantastical spaces reconstructed from imagination. Meticulously constructed shots, featuring superb manipulation of optics captured on 8 x 10 film has resulted in works that reflect a photographic philosophy in which no time or effort is spared in the grapple with subject.
Kobayashi’s debut work Interrupted Places (Mito Contemporary Art Gallery, 1999) consists of up to 20 concrete walls (concreted veneer panels) transported and set up on location to enclose waste disposal sites or playground equipment that is then photographed. These spaces become small portions cut-off from the world; graveyards of everyday equipment from which the life has been sucked. Solemn existences removed from the tumult of civilization, this is Hideo Kobayashi’s world. Needless to say, the ‘interruptions’ of Kobayashi’s frame are a metaphor for the camera frame’s ability to cut-off and separate the world into parts, even as the real world continues to spread and expand.
In contrast, trace sees Kobayashi applying techniques found in perspective drawing to construct lines and grids of light itself, casting a rich, luxuriant illumination over midnight forest with layers of long exposure strobe lighting. Lit thus in such an ordered, methodical fashion, the forest takes on an underworld-like ambience, lurking at the threshold between the real world and the photographic.
A certain Japanese pioneer of photography coined the phrase “concepts and incidents”. It is not a stretch to add Hideo Kobayashi to his lineage. They both pursue the core of photographic expression with indefatigable stoicism. Now, as we climb to the summit of the digital age, we invite one and all to take another look at Kobayashi’s work, in the hope of catching a glimpse into the future of photography.
This text was created with reference to the Creatarium 41 leaflet by Toshihiro Asai: Photographs on the Theory of Photography.
2018/06/08 fri - 07/07 sat
Statement: Photographic Deeds and New Ways of Seeing
A fisherman uses a pole or net to catch fish. I feel that my photographic activities are in some way similar. Entering physically into the setting, I manipulate the photographic apparatus and shoot, much as one would lay a snare. Altering the configuration of equipment and settings allows me to change the way in which I see and capture.
Dangling this ‘line’ into nature creates ripples on the surface — subtle transformations. I get the feeling that these minute reactions are the very things that provide us a new viewpoint to the familiarity of everyday life, and lead us to extraordinary places.
2018: Interrupted Places/ trace at Emon Photo Gallery・Tokyo
2014 : SHIELD at Emon Photo Gallery・Tokyo
2014 : Fotofever Paris (France)
2003 : Trace at Zeit-Foto Salon・Tokyo
2000 : Glass Box at Zeit-Foto Salon・Tokyo
2000 : 31st Rencontres d'Arles・France
1999 : Criterium 41 at Mito Art Tower Contemporary
1999 : Art Center・Ibaraki
1999 : Common Boundary at The Center for Photography at Woodstock・New York
中断された場所/ trace | 小林秀雄 Exhibition
会期：2018/06/08 fri - 07/07 sat
エモンで初めて開催した展覧会『SHEILD』から5年、エモン・フォトギャラリーは20年以上のキャリアを持つ写真家小林秀雄の初期に制作された作品『中断された場所』、『trace』をご紹介致します。小林の創作は、普段気に留めることのない街中や人里離れた森が撮影場所に選ばれています。コンクリート壁を使った超現実的な世界、あるいは森の中で多重露光を繰り返して撮影した作品群。それらは、いわゆるドキュメンタリーの要素を残しつつも作者によって再構成された架空の空間です。綿密に練った仕掛けや光学的な工夫、そして制作の全てに8×10フィルムが使われるなど、時間と労力を惜しまずに対象と向き合う氏の写真哲学が作品に貫かれています。
デビュー作『中断された場所』（水戸芸術館現代美術ギャラリー/1999）は、撮影の対象となった現場に20枚ものコンクリート壁（ベニア材にコンクリートを塗装した板）を運び込み、組立て、廃材置場や公園の遊具などを囲って撮影しています。それは世界から一部だけ切り取られ隔離された風景であり、また道具としての命を奪われたモノたちの墓場のような空間です。喧騒から離れ、厳かですらある小林秀雄の作品世界。言うまでもなく、現実の世界は地続きに広がり、壁によるその「中断」は写真が世界をフレームの中に切取る事の暗喩となっています。
一方『Trace』では、ストロボの発光点を長時間露光によって重ね合わせ、鬱蒼とした夜の森の中に絵画の一点透視図法を応用しながら、点光による道とグリッド面を作り出しています。その秩序を持った光によって照らし出される森の姿は、現実と写真空間の狭間に潜む「異界」を顕そうとするのかも知れません。
「計画と偶然」とはある写真家の言葉ですが、私たちは、このストイックな方法論で写真表現の核心を追求したアーティストの系譜に小林秀雄を置く事は難しくはありません。デジタル全盛となった今、もう一度氏の作品を振り返る事により、未来へと向かう新たな写真の可能性を考察する機会にしたいと思います。どうぞご期待ください。
参照：写真論的な写真《中断された場所》浅井俊裕氏「クリテリオム41」リーフレット
アーティストステートメント
写真による行為・新しい視点を求めて
釣り人が竿や網を使って魚を捕る。これに私の撮影行為は似ているかもしれない。風景の中に自分が入り込み、罠を仕掛けるように撮影装置を駆使して写真を撮る。また道具・装置を変える事で、捉え方や見え方も変化する。
自然の中で釣り糸を垂らせば、水面に波紋ができ、微かな変化が生じる。この微かな反応こそが、見慣れた日常に新しい視点を見出してくれるのではないか、非日常空間へと導いてくれるのではないか。そんな気がするのである。
2018 『中断された場所/ trace 』エモン・フォトギャラリー・東京
2014 『SHIELD』エモン・フォトギャラリー・東京
2003 『trace』 ツァイト・フォトサロン・東京
2000 『glass box』 ツァイト・フォトサロン・東京
第31回アルル国際写真フェステバル・フランス
1999 クリテリオム41 水戸芸術館現代美術ギャラリー・茨城
Center for Photography at Woodstock・ニューヨーク
Microgravity | Jean Lambert exhibition
EMON (Tokyo) 2018/04/06 fri - 05/26 sat
MyomanjiTemple (Kyoto) 2018/04/14 sat - 05/13 sun
Jean Lambert (1968~) is a Belgium-based photographer who began photographing as a young boy; steadily developing a talent for creating tranquil landscape photographs up until 2016. That year saw a shift in creative direction as Lambert’s creative focus was reset upon the phenomenon of gravity, and work began on his series Microgravity.
Capturing the instant in which bodies are suspended in space forms the means by which Lambert seeks to embody the unique enchantment intrinsic in photography. Photographer and subject are momentarily connected in shots of bodies in flight that arguably epitomise the art of freeze frame; the majesty of which are made all the more conspicuous against commonplace backdrops of decaying concrete, coastal skies, forest, and urban landscapes.
Lambert’s methodology centers on depicting the ultimate acts of freedom he captures in photo as a means of eternalizing freedom itself. At first glance, his work appears as straight photography capturing a light-hearted, floating aesthetic. This is not the case. Lambert assigns the despair of the November 2015 terrorist attacks in Paris as well as Brussels three months later as underlying motivations for this work.
The whole of Belgium was assailed by an indescribable unease, particularly on its border with France, and it is against the backdrop of a society thus burdened that Lambert imbues his work with hopes of freeing peoples’ heavy hearts.
Lambert’s photographs of people in carefree mid-air buoyancy caress the hearts and minds of us who live in these problematic times, and invite a change in consciousness. EMON invites one and all to EMON Photo Gallery Tokyo, and also Myomanji Temple in Kyoto, where Jean Lambert’s works are showing as part of the Kyotographie International Photography Festival’s KG+ program, where they can experience for themselves the new breeze Lambert brings us all from across the ocean.
Jean Lambert (Belgium, b.1968)
Belgian photographer living in Brussels. He discovered photography at an early age and received in1990, his degree in photography from “l’Ecole Nationale Supérieure des Arts Visuels de la Cambre” where the photography section was headed by Gilbert Fastenaekens.He also studied serigraphy and drawing. After completing this first degree, he worked as photographer assistant, and embarked later on earning two other degrees, one in environmental issues and another one in education. The artist is currently devoting his time exclusively to his own photographic work. He is concomitantly engaged in a poetic and contemplative approach on nature, as well as a documentary work on environmental concerns.
Microgravity | ジャン・ランバート展
エモン・フォトギャラリー (東京) 2018/04/06 fri - 05/26 sat
総本山妙満寺(京都) 2018/04/14 sat - 05/13 sun
ジャン・ランバート (1968-)はベルギー在住の写真家です。幼少期から写真を始め、静謐な風景写真を得意としてきた氏は、2016年を境に重力そのものに着目する作品『マイクログラヴィティ』の制作に取り組みます。ランバートは宙に浮く身体の一瞬を捉えて、写真本来の魅力を引き出そうとします。写真家と被写体との間で結ばれる瞬間の行為性は、まさに「ストップモーションの芸術」。その出来事を際立たせるのは、コンクリート壁、海岸、森、都市空間など、ごくありふれたシーンで行われています。
自由を解き放ち、それを永遠に刻み込もうとするジャン・ランバートの方法論。一見軽快な浮遊感を留めたストレートフォトに見えながら、その制作背景には2015年11月のパリ、翌年の3月に起こったブリュッセルのテロ事件が関わっているとランバートは言います。パリとブリュッセルを繋ぐ国境付近を中心にベルギー全体を覆った言い知れぬ不安。そうした社会的背景にのしかかる重圧から人々の心を解放したいと願う氏のメッセージが作品に込められたのです。
人が軽々と宙を舞うこれらの作品を通じて、さまざまな問題を抱える現代社会に生きる私たちの心の弦をふるわせ、そしてあらたな意識変化へと誘います。海を越えてやって来たジャン ランバートの風を、東京のエモン・フォトギャラリー、また京都国際写真祭KG+の参加プログラムとして、総本山妙満寺で体感してください。
ジャン・ランバート 1968年ベルギー生まれ、ブルッセル在住の写真家。 幼少期より写真を始め、1990年ベルギー、ラ・カンブル国立美術学校にて写真の学位を取得。 学科長はGilbert Fastenaekens。写真と並行してシルクスクリーンとドローイングを学び、その後さらに環境学と教育学の学位も取得。自然に対する詩的かつ瞑想的なアプローチに取り組み、その一方、環境との関係を探求するドキュメンタリー作品に取り組んでいる。
HP：http://www.lambertjean.com/
Shard | Kiiro Exhibition
エモン・フォトギャラリー 2018/03/05 mon - 03/31 sat
アートフェア東京 2018/03/09 fri - 03/11 sun
東京国際フォーラム Open11:00-20:00 Sun 11:00-17:00
「秋桜」の日本名を持つコスモス。作家Kiiroは、2007年から一貫してコスモスの花を題材にし、フォトモンタージュの技法を駆使して絵画に迫る作品を数多くつくり上げてきています。 Kiiroの創作プロセスは特徴的です。撮影した画像イメージを足しては引き、塗り重ねては削る油彩画のアプローチ。写真でありながら印象派絵画にも接近する独特なKiiroのフォトモンタージュは、描くというよりもむしろコスモス畑の中に封印された「詩」を至るところに見つけ出し、それを解いて視覚化する作業といえるかもしれません。 2016年作品『Shard』は花のつぼみを瞬く無数の星々に見立て、広大な銀河を表そうとする一方、2014年『Light』では光そのものがテーマとなり、朝露が陽の光を受けて反射する様子を繊細に表現しています。この二つのシリーズ作品のコントラストは、COSMOSの原義である秩序・調和・美といった無限の拡がりを表すコンセプトで繋がり、作家Kiiroの代表作とされています。
『Shard』 ステートメント
全ての始まりは何かの終わりであり、何かを終わらすことで新しい物語が生まれてくる。それは銀河に存在する星星のよう。蕾は花を咲かせ、枯れて生き、新しい種を残す。どんなに打ちのめされても、自らを進化させる力強さを、宇宙の名を持つ花「コスモス」は教えてくれる。
Kiiro 1978-
Solo Exhibitions EMON PHOTO GALLERY 2018「Shard」
2017「SAKURA」 KG+総本山妙満寺・京都
2017「SAKURA」
2014「Light」
2012「Elegance of Silence」
2011「OPERA」
Fairs
2015 Fotofever Paris 2015フランス
2014 Fotofever Paris 2014フランス
2014 Daegu Photography Biennale 2014 Korea 2013 Fotofever Paris 2013フランス
「Light 」2014年
第7回 EMON AWARD プレゼンテーション展+公開審査
会期：2017/02/09fri - 02/17sat
7th EMON AWARD『ファイナリスト8名によるプレゼンテーション展』 第7回を迎えたアワードは全国から96名の作家がエントリーとなりました。一次審査で選出された7名の作品は、東京都から4名、遠方からは宮崎、大阪、愛知からのエントリー。ドキュメンタリー、スナップ、映像、コンテンポラリーと幅広く、多様化する現代写真の一端を覗かせてます。限られたスペースながら、それぞれが作品を構成して世界観を浮かび上がらせ、作家自らの言葉で語り、プレゼンテーションする目的を有するのも、本アワードの特徴です。 作品力、コンセプト、プレゼン力が問われるEMON AWARD。写真を介して表現する精鋭達の仕事ぶりをどうぞ目撃してください!
2月17日の公開審査の一般観覧は満席となりました。満席御礼
ファイナリスト
◎生まれたばかりの息子を被写体に、命の原始的な行為・本能を写真に切り出した。 内倉真一郎
◎ファックス用紙とポジフィルムを使い、透過光によって繰り広げるイメージのアナーキズム。染川明
◎デジタル現像の可能性を探り、実存する森に見たイメージを心象風景へ昇華させる。 竹腰隼人
◎複合機による2000回のコピーがもたらすオリジナルともう一つのオリジナルの対比。東地雄一郎
◎贅肉を削ぎ落とすように街をスナップするモノクロームのストレートフォト。藤本康介
◎二人の女性トランスジェンダーによる快楽と遊びを映像化したビデオ作品。 山田リサ子＆池田ひらり
◎生きた細胞を染色して可視化し、死者とのターミナルをオブジェに。tk
公開審査・審査員
飯沢耕太郎（写真評論家）
河内タカ（便利堂 海外事業部ディレクター）
鈴木芳雄（編集者、美術ジャーナリスト）
トモ・コスガ (アート･プロデューサー/ 深瀬昌久アーカイブズ・ディレクター)
中西玲人（アートプロデューサー/echo visions代表）
山口裕美（アートプロデューサー）
小松整司（EMON・ディレクター）
©Takeshi Kainuma
Director's Choice | 5 photographer's works
Water Surface
For the first collection exhibition in 2018, EMON has chosen 5 photographers who are active in Japan and abroad.The theme is “Water and Light”. We are proud to introduce works that were photographed as if to relate and respond in and to the nature.
会期：2018/01/13 sat - 02/03 sat
内外で活躍する5人の写真家からチョイスしたコレクション展。テーマは水と光。
それぞれが自然の中に身を置いて呼応するように撮影した作品を紹介致します。
「Water Surface」と題される本展は、内外で活躍する5人の写真家からチョイスしたコレクション展。
テーマは水と光。それぞれが自然の中に身を置いて呼応するように撮影した作品を紹介致します。
氷の中に閉じ込められた様々な有機体、あるいは水面の一瞬の煌めきを美に昇華させた海沼武史。
水を鏡面に見立てて溢れんばかりの色彩の渦を作り出すマガリート・スミュルダス。
光の屈折を利用して水面下の蓮を抽象作品にした藤原更。
スポイトを垂らすように河の水面にストロボを当て、光の拡散と浸透を試みる小林秀雄。
瑞々しい水面を繊細な眼差して切り撮った筒井淳子。
風景写真の絶対的尺度にいずれも属さない写真作品をご覧いただきます。