EXHIBITION
2009
Christopher Bucklow Exhibition
2009.11.28 sat - 12.25 fri
クリストファー・バックロー展「Guest」
Bucklow’s camera does not go searching for an image rather it draws images by exposing countless points of light directly onto photosensitive paper. He first makes a life-size silhouette sketch of his subject and superimposes it onto a sheet of aluminum foil. He then makes some 25,000 pinholes within the silhouette, places it on photosensitive paper, and exposes it to direct sunlight. For Bucklow, this number is symbolic: in the bible a person’s life expectancy is said to be 70 years, or about 25,000 days.
I am truly excited to see how Bucklow’s “light self-portraits” and drawings speak to a Japanese audience.
バックローのスタイルは、カメラで像をハンティングするのではなく、無数の光の点を直接印画紙に焼き付けてイメージを描き出す。モデルとなる人物のシルエットを等身大でデッサンし、それを巨大なアルミホイルに転写した後、その輪郭内に2万5千個ものピンホールをあけ、その針穴から印画紙に直接太陽光を感光させるのである。
2万５千個もの「太陽」が一点の作品に刻まれていることになるが、その数は、聖書にある人間平均寿命70年の間に巡ってくる太陽の回数（＝25000日）を象徴したものだという。
“光の点描画”が私たち日本人の心にどのように語りかけ、響くのかとても楽しみなエキシビションとなりそうである。
OSAMU YOKONAMI Exhibition
2009.10.02 fri - 10.31 sat
横浪修展 100人の最小限のポートレート写真
Born in Kyoto in 1967, photographer Osamu Yokonami’s work has appeared in advertising featured in fashion magazines. Over the two years since his last exhibition, he has further refined his style with an approach that pares down compositional elements to a bare minimum.
100 Children is a collection of portraits of young girls. In each portrait, the girl holds a fruit or vegetable on her shoulder by bending her neck to keep it in place. Simplicity is the unifying motif of the clothes and background and the pose and facial expression that comprise the total composition.
100 Children is minimal art formed around a superb synthesis of manga-esque pop motifs. Yokonami quietly but confidently shows the world of fine art photography.
横浪修。1967年、京都生まれ。ファッション紙をはじめ、広告等で活躍するフォトグラファー。
前回の展覧会から2年。最新作では野菜や果物などの「可愛らしい謎」を使ったユニークな作品となっている。
「100 Children」は、肩に野菜や果物をのせて首をかしげる姿勢をとった100人の女児のポートレート写真。あらゆる装飾性を取り払い、そのシンプルな構図の中に自我の芽生え始める子供の「素」の表情を撮った。
ポップアートの要素とミニマルな感覚が融合され,氏の志は控えめに、それでいて確かに伝わってくるようだ。
KEIKO NOMURA Exhibition
2009.08.18 tue - 09.08 tue
野村恵子展 自然と生の共鳴を、官能的に描いた野村恵子の最新作
Red Water, Keiko Nomura’s latest collection of photographs, is made up of scenes of nature and portraits of women.
Water, essential to all living things, is in constant motion.
Women are the subject of Nomura’s portraits. The blood sent coursing through them by their beating hearts is the same blood beating out the rhythm of life that animates their physical bodies. And when this same blood passes on to the next generation it transcends time and space. In the sensuality of these women, Nomura captures an instant.
When looking at these photographs I feel as if Nomura is seeking to reveal the fundamental nature of our world from the perspective of a being alive in it. Just as rainwater eventually rises into the sky to eventually become rain once again, we are nothing more than a small part of the cosmic narrative.
野村恵子の最新作「Red Water」は自然風景と、女性のポートレートで構成されている。
すべての生きとしいけるものの生命力を支えている「水」はたえず循環し、とどまりはしない。
ポートレート写真の被写体となっているのは女性たちだ。写真のなかの彼女たちは、けだるい官能を帯びている。
写真を見ながら私が考えていたのは、野村恵子が写真によって、「生命」という視点からこの世界のありようを説き明かそうとしているのではないか？ ということだ。
雨水がやがて天にのぼり、やがてまた雨になって還ってくるように、私たちもまた大きな物語の一部に過ぎないようだ。
Osamu Yamazaki+Carre MOJI Exhibition
2009.07.22 wed → 08.08 sat
山崎理＋Carre MOJI展 「水の音」
今展では、グラフィックデザイナーの山﨑理氏による金魚の写真作品と、南青山のギャラリー Carré MOJIが発信する新しいスタイルの書道のコラボレーション。日本の夏を題材に、現代の暮らしにマッチするモダンなアレンジが加わった作品をご案内致します。
グラフィカルで軽やかな作品となっているのも特徴で、蒸し暑くせわしくなった心をふっと静かにしてくれるアートが並びます。
東京の身近な避暑地として、どうぞ広尾で暑気払いを。
KENTARO KUMON Exhibition
2009.07.15 tue - 08.09
公文健太郎展 「グラフィッチ」ブラジル・サンパウロ 路上の画家たち
Kentaro Kumon was born in 1981 in Nishinomiya, Hyogo Prefecture. In 1999, his involvement with reforestation work took him to Nepal for the first time, where he began photographing the rural villagers he encountered, with a special emphasis on the lively girls of these rural communities.
In his latest work Grafiti, Kumon leaves the lush natural scenery of Nepal to document a subject altogether different, the street art of Sao Paulo. Wall art is everywhere in Sao Paulo. Kumon went out into the city to observe the day to day life of this Brazilian youth with his own eyes, recording what he saw with calm detachment. These are Kentaro Kumon’s ambitious collection of black and white photographs.
公文健太郎。1981年、兵庫県西宮市生まれ。99年植林活動で初めてネパールを訪れ、農村で出会った少女を中心に、自然、民族、宗教が入り交じったネパールの人々の暮らしを撮り続けて来た。
今展の『グラフィッチ』は、ネパールのみずみずしさから変わり、サンパウロのストリートアートを題材にしたドキュメンタリーとなっている。
壁画アートで埋め尽くされたサンパウロの街並。
公文はその現場の中でブラジルの若者のリアルな日常を静かに蓄積させていく。モノクロームゼラチンシルバープリントに焼き込んだ、公文健太郎の野心作である。
NAOKI KIMURA Exhibition
2009.06.02 tue- 06.27 sat
木村尚樹展 「凪」立ち上がる、たまゆらの時。
Naoki Kimura is a fine art photographer who lives in New York City. After going to the US in 1987, he completed a Master’s Degree in art history, with an emphasis on Renaissance art. One of his research topics was iconology and its transformation in historical consciousness, and the method he used to analyze this phenomenon led him to form a novel world view synthesizing the classical and modern.
All phenomena around the subject – temperature, moisture, natural and manmade light – form a fleeting instant of beauty. This ephemeral beauty is Kimura’s nagi.
With no empty technical flourishes to fall back on, he crosses the boundary all alone. In this sense, Kimura’s work is the essence of photographic expression.
木村尚樹。N.Y在住、写真作家。1987年に渡米し、大学院にてイタリア・ルネッサンス期を中心とした美学美術史を専攻、修了。イコノロジー（図像解釈学）の歴史的意識の変遷を読み解く手法を通じ、古典と現代をクロスさせた独特の世界観を創り上げた。歴史の重みを染みこませた場所。
ベールのように降りてくる光。辺りを包み込むような光。暗闇に鋭く差し込む光。被写体を取りまく温度や湿度。すべての事象がつくり出すつかの間の美の瞬間を、木村は「凪」と呼ぶ。
虚飾に頼らず、ぎりぎりの境界線を身ひとつで渡るような危うさがある。
木村作品は、そのような意味で写真表現の原点である。
Photograph & Printing Paper
2009.05.18 mon - 05.29 fri
写真と紙の出会い
絵や文字を記録するために生まれた紙。像を残す役割として誕生した写真。両者の出会いは、人と人をつなぐためのツールとして必然であったかもしれない。
「写真と紙の出会い展」は、高級印刷用紙を開発する紙の専門商社・平和紙業株式会社とエモン・フォトギャラリーがコラボした展覧会。
新進の写真家を起用し、印刷の再現性を追求して出来上がった15点の写真作品集の集大成として紹介するとともに、大判サイズのパネルと、作家のオリジナルプリントを交え、「紙と写真と印刷の現在」を伝えるエキシビションをご覧いただきます。
出展作家
A-Plan 横浪修
Hi gentle マガリート・スミュルダス
Hi gentle 鐙俊輔
Mr.B 藤岡直樹
Mrs.B David Fokos
Sorgente 西山尚紀
Gentle 公文健太郎
OK Plastar/OK Super Plastar 山崎理
Government CoC 西部裕介
G plan HP 中乃波木
Estim 海沼武史
Estim 内藤さゆり
Gradios CoC ニルス・ウド
間伐ホワイト リム・アート×藤岡直樹
10’s Green
2009.03.27 fri - 04.25 sat
10人の女性フォトグラファーが撮り下ろした色のイメージ
Participating photographers: Orie Ichihashi, Saori Katayanagi, Akiko Kato, Kohide Nakashima, Eye Ohashi, Keiko Okumura, Aya Tokunaga, Yuko Torisu, Junko Tsutsui, Naoko Ushiban
What would your answer be if someone were to ask you “what kind of color is green?”
These are the sort of esoteric questions that inspired 10’s Green, an exhibition of color images by ten professional women photographers active in magazine and advertising. Each of the photographers taking part in this exhibition has applied her creative energy and power of observation to portraying the modern world through this single color.
10’s Green tells a story here at Hiroo that only the women of today can tell.
参加フォトグラファー
市橋織江・丑番直子・大橋愛・奥村恵子・片柳沙織
加藤亜希子・筒井淳子・徳永彩・鳥巣佑有子・中島古英
グリーンと聞いて、どんなことを思い描くだろう。
そんな難解な質問を投げかけた写真展が、この「10's Green」。
雑誌・広告の一線で活躍する１０人の女性フォトグラファーが撮り下ろした色のイメージ。ひとつの色から、作家の方々が自由な発想と視点で現代を写し出そうとするエキシビションです。
今を生きる女性ならではのメッセージを、ここ広尾で響かせてくれることになりそうだ。
TAKESHI KAINUMA Exhibition
2009.02.12 thu - 03.07 sat
海沼武史展 「カインド・オブ・ブルー」
Photographer Takeshi Kainuma was born in Tokyo in 1962. In 1996, after studying under photographer Yoshitane Nakamoto, he went to New York .
"Kind of Blue” features works selected from past collections. The photographer describes the exhibition as inspired by Pablo Picasso’s Blue Period, the haunting sound of Miles Davis’ trumpet as it weaves its way through the harmonies Blue in Green, and Dostoevsky's last great novel, The Brother's Karamozov. The defining word here is “blue”, the color ever present throughout the photographer’s personal history, the color that more than any other symbolizes the struggle of his creative process. These remarkable and unique photographs will be on exhibit at Emon Photo Gallery.
海沼武史。1962年東京都に生まれ、24才の時に写真家・中本佳材氏に師事した後1996年に渡米。
「Kind of Blue」は、これまでに発表されたシリーズ作品の核となる写真作品が選び出されている。
失望や心痛の中で創作されたパブロ・ピカソの「青の時代」。和音の循環の中から奥深い音を紡ぎ出したマイルス・デイヴィスの名曲「ブルー・イン・グリーン」。そしてドストエフスキー最後の長編小説「カラマーゾフの兄弟」を今展のコンセプトメイクにしたいと海沼は言う。
キーワードの「Blue」は、自身の歴史を重ね合わせた色であり、創作の生みの苦しみを象徴した色だ。それら作品群がエモンで並ぶことになる。
MATSUBARA MASATAKE Exhibition
2009.01.14 wed - 02.05 the
松原正武展 「未完成」
Masatake Matsubara was born in Osaka in 1975. While working as a graphic designer based in Osaka, he bacame a self taught photographer.
“Water+Light” was created 4 years after “Hospital Food”.Among the series, are about 20 brand new pieces, presented in giant BO size. This group of works features the motif of the trajectory of light which looks like charcoal drawings drawn in broad strokes. It combines both the contemporariness of optical art devoid of subjective emotion and the classical style of traditional photography, giving off a fierce individuality that cannot be swayed by trends.
松原正武、1975年大阪生まれ。グラフィックデザイナーとして大阪を拠点に活動しながら独学で写真術を学ぶ。 闘病中に病院食に目を向けた作品『Hospital Food』から四年、今展の『unfinished』は、「水＋光」のシリーズの中からセレクトし、大型B0サイズを含む約２０点の最新作を展覧いたします。光の軌跡をモチーフにしたこの作品群は、腕を大きくストロークさせて描く木炭デッサンのようだ。主観的な感情を介入させないオプティカルアートの現代性、そして写真本来の古典的なスタイルを融合させ、時流に流されない強烈な個性を見せつける。